森アーツセンター「バスキア」展 2019.9.21(土)~ 11.17(日)新着

現代美術の文脈からは外されがちなバスキアだけど、そんなこととは関係なく昔から好きだったなぁ。バスキアの絵は何かホッとするというか、生身の人間そのもののような親近感がある。今回の展覧会は点数も多く、結構見ごたえがあった。
そういえば、ジュリアン・シュナーベルの「バスキア」(1996)もよかった。デヴィッド・ボウイがウォーホルをやっている。ジョン・ケイルの「ハレルヤ」にもしびれた。

バスキア
バスキア
バスキア
バスキア

「塩田千春展:魂がふるえる」 森美術館 2019.6.20(木)~ 10.27(日)新着

塩田千春は今まで結構見ているし、今更どうなのかなぁと思いながら友人に誘われるまま見たけどやっぱ、すごかったです。
作品がすごいのは前から知っていたけど、今回は彼女の生身のセンシビリティに触れた気がしました。
塩田の関心は精神(魂)と肉体(身体)、内面と外界の乖離と融合にあるように感じた。その感受性が鋭すぎて、作品としてなんとかしないと自分が崩れてしまう、そんな切羽詰まった怖さまで感じさせます。だから内や外、またその境界となる血液、骨や皮膚、糸、土や窓などをモティーフとして、それを自分の身体を通してどうにか外(他)と繋ぎ合わせられないかと苦闘することが作品になっていると解釈しました。特にドイツ留学中のアブラモビッチやレベッカ・ホーンに師事して模索していた頃のパフォーマンスは、その希求が真っすぐで、無防備で文字通り体当たりで痛々しいほどです。
今まで完璧に出来上がったインスタレーションしか見てなくて、やっぱ天才だなぁとか思うだけだったけど、涙ぐましい格闘の軌跡を見た後の今回の結論としては(すごく当たり前で陳腐な表現になってしまうけど)、天才的な作品とは、身を切る痛みの果てにしか実現できないものだということでした。

塩田千春展
塩田千春展
塩田千春展
塩田千春展
塩田千春展
塩田千春展
塩田千春展
塩田千春展

[堂島リバービエンナーレ2019]2019年7月27日-8月18日 堂島リバーフォーラム新着

[堂島リバービエンナーレ2019]に行って来ました。
サブタイトルが「シネマの芸術学 -東方に導かれて- ジャン・リュック=ゴダール『イメージの本』に誘われて」
ゴダールの最新映画作品『イメージの本』を基に、「私たちに未来を語るのは“アーカイブ”である」「アートとは、現実の反映ではなく、その反映の現実性なのである」と語る彼のコンセプトに沿って、アーティスティック・ディレクターの飯田髙誉がキュレーションしたもの。出品者はゲルハルト・リヒター、トーマス・ルフ、佐藤允、空音央、アルバート・トーレンなど。
ゴダールの「イメージの本」は、ほぼ全編既存の映画作品の断片を引用コラージュした作品。画像が劣化していたり極彩色であったり、くるくる場面が変わったりしてどこか意識の反映的(?)。ゴダールについて無知な私にはほとんどわからなかったけれど、会場配布のハンドアウトと交互に見て何とかついて行った。
リヒターは自作の構想や写真などで構成した「アトラス」。台紙の数が全部で圧巻の809枚。他、佐藤の油彩の他は写真や映像作品。もっとも面白かったのがフィオナ・タンの写真と映像作品。《人々の声 東京》という写真の作品は、東京で暮らす人々が自分たちを撮った写真(結婚式とか、日常風景だとか)を、持ち主から借りて背景情報なしでタンが選んで並べたもの。何ともよかった。写真に写っているのが誰だかわからないので、変な意識の誇張や理論が消えてなくなる。そこには単なる人生のある瞬間だけが素朴に純粋にあって、そこから人生は愛すべきものだということがひしひしと伝わってきた。

堂島リバーフォーラム
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019
堂島リバービエンナーレ2019

写真集「留鳥」(蒼穹社刊)発行記念
伊藤昭一写真展 丸京庵市民ギャラリー 2019.7.6-7.15

全体としての被写体はなんだか定まらないのに、雑草や水面のディテイルがやけにキラキラ克明に見える伊藤さんの写真。
見ていると、意味を剥ぎ取られた世界の得体の知れなさとともに、その裏にあるかもしれない見知らぬ世界を垣間見たいという誘惑に駆られる。

伊藤昭一写真展
伊藤昭一写真展
伊藤昭一写真展
伊藤昭一写真展

京都場 「移ろう民」展 2019年6月8日(土)~6月30日

いつものように大阪出張に1日足して美術館・ギャラリー巡り
「移ろう民」展  京都場  (6/30で終了しました)
メキシコとメキシコの関係する日本人作家9名の展覧会。移民や文化、出自やアイデンティティなどがテーマになっている。
自分に対して無防備なくらい真っすぐで、安易な共感も求めていない。表現に対しても、既定の美術の文脈に乗っからず、真っすぐに突き進む姿がすがすがしい。
個人的には今道子さんの写真を見られたのがうれしかった。1990年NHK教育テレビ(今のEテレ)で放映した「近未来写真術」で今さんの写真に出会い、美術的な写真のすごさに目覚めた。(篠山紀信の進行で、宮本隆司、柴田敏雄、荒木経惟などが出ていた)。今でもすごい。

「移ろう民」展
「移ろう民」展
「移ろう民」展
「移ろう民」展
「移ろう民」展
「移ろう民」展

第19回個展 ギャラリー事と(島根県雲南市) 2019.6.14-6.23

島根県雲南市の建築家、小畑絢子さんの建築設計事務所[アトリエ素と]に併設しているギャラリースペース[ギャラリー事と]での個展をレポートします。
タイトルは「ココデハナイドコカ」。
人は[今・ここ]を生きていますが、同時に[ここではないどこか・今ではないいつか]とともにも生きているのではないか。
そうした曖昧な意識や記憶の有り様を表現したいと思いました。
[ギャラリー事と]は旧歯科医院の建物を、オーナーの小畑さんがギャラリーに改装したもので、待合室(受付あり)があって、廊下を渡った先の診療室でメインの展示をしています。
小品18点を展示しています。またアーティストトークもします。地元のお時間のある方、ご高覧、参加頂けければ幸いです。

出品作品の詳細は[exhibition]の第19回個展/2019.6.14-6.23「ギャラリー事と」(島根県雲南市)をご覧ください。

第19回個展DM
第19回個展DM
第19回個展
第19回個展
第19回個展
第19回個展
第19回個展
第19回個展

京都場・中津川浩章個展(2019年4月20日(土)〜5月29日(水))

FBなどを通して作品やその活動(主にアートを通した障がい者支援)をずっと見させていただいている中津川浩章さんの作品本物をようやく見ることが出来た。

中津川さんの作品の生命線が文字通り「線」にあることは疑いようもないが、(それはチョット置いておいて)私には絵具のピグメント感が強いのが前から気になっていた。あのバイオレットブルーは何の顔料を何のメディウムで練っているのか(聞いてないのでわかりませんが)。市販のアクリル絵具かもしれないけど。ほとんど、いや多分まったく水で薄めない絵具を、硬めの筆で(使い込んで穂先がちょうどよく固まった筆か。これも聞いてません)ローキャンバスに押し付けるように描いている。それでマティエールとしてはかさかさしてマット(艶消し)にはなるのだが、顔料の粒子がキラキラ輝いているように見えるのが魅力的だ。

で、その「線」ですが、見た時にいろいろな思いをあふれさせ、強く引き付けられるその線は、その魅惑に抗しがたいという点で官能的だが、それとともに厳粛なものを感じる。多分描いている時は意図から離れ、なるべく無私になることは必要だろうが、それは単なる無意識とは違い、瞬間の決定でもそこには永遠に近い記憶や、描いてないときにした沈思黙考というか、思念の堆積が同時にあるのではないか。それがアクションペインティングなどとは違う画面の質を形成しているように思う。

ともかく引き初め工場の跡地という京都らしい時間が堆積している「場」(京都場)で、中津川さんの思念で充電され、ライトアップされた作品はとてもよく合っていた。

中津川浩章個展
中津川浩章個展
中津川浩章個展
中津川浩章個展
中津川浩章個展
中津川浩章個展
中津川浩章個展
中津川浩章個展

ボルタンスキー展ほか

今回も掛け持ち出張の合間を縫っていくつかの展覧会を見ました。

■クリスチャン・ボルタンスキー展(国立国際美術館)

照明は消され、その所々で裸電球が光りまた明滅している会場に、心臓音、風鈴の音、叫び声(のようなもの。海に向けた収音機に集まるクジラの声?)が断続的に聞こえる。その中にある47ものインスタレーション作品を巡る。1969年からのボルタンスキーのスタイルをほぼ網羅した記念碑的展覧会だ。作品同士をつなげて見せたり、部屋を区切り独自の空間で見せたりしてあり、光、音、映像等とともに巡ることの臨場感も楽しめる。
生と死(今回は「来世」まである)、記憶、匿名性という根源的なテーマをこれだけ多くのスタイルで、そのどれもが重量感と密度を持って迫ってくる展示は見ごたえがあった。今までの経験で、ウームこれはどうかな?と思っていたものもいくつかあったが-例えば骸骨の影絵や海岸の鈴の音-今回は軽いほうのヴァリエーションとして、振れ幅のうちかなと思った。
しかしやはり無名の人々、時にはボルタンスキー自身も無名の一人として扱った作品に真の内容があるかな。心臓音や新聞の切り抜き、ピンボケの顔写真などのほかに、ボルタンスキーが今まで生きてきた時間を秒数としてカウントしている赤いネオン管の作品。その数字は、彼の死とともに止まる。壁の隙間からの覗いた部屋に置かれている多くの電球。それは毎日2個ずつ消えていく。等々。
それにしても来場者の半分以上が若い女性で、越後妻有や瀬戸内の芸術祭の影響か、かれは人気あるんだな。

ボルタンスキー展
ボルタンスキー展
ボルタンスキー展
ボルタンスキー展
ボルタンスキー展
ボルタンスキー展
ボルタンスキー展
ボルタンスキー展
ボルタンスキー展

■「霞はじめてたなびく」(佐藤雅晴、西村有、吉開菜央)
トーキョーアーツアンドスペース本郷

(個人的にですが、)佐藤雅晴さんの追悼のためにどうしても行かなくてはいけないと思っていた。佐藤さんががん闘病中で昨年余命宣言されていたことは、トーキョーアーツアンドスペース本郷のHPで彼自身が告白していて知っていたが、先日「六本木クロッシング」展の佐藤さんの「Calling」をFBにポストしたのは、作品に純粋に共鳴したからだ。逝去されたのはつい先日知った。
3階建てのギャラリーは1階ずつスペースが作家に与えられていて、1階が佐藤さん。《福島尾行》は震災後の福島の日常を淡々とまたゆっくりと描いている。(スクリーンの前のピアノが無人のまま低い音楽を奏でている)映像は所々アニメーション化されていて、季節の移ろいやその場の空気が身体的感覚を通してしみじみと浮かび上がってくる。もう1点《雪やコーヒー》はモノクロームアニメーションで、コーヒーに角砂糖を入れる瞬間がスローモーションで繰り返される。角砂糖にコーヒーが滲みこむ。何でもないがいつくしむべき人生がゆっくりと流れる。

佐藤雅晴
佐藤雅晴
佐藤雅晴

2階は吉開菜央さんの映像とテキストのインスタレーション。「石の話」や「金魚の話」など、はじめも終わりもない、目的も大したオチもない、ただたまたま経験したことを綴ったテキストが、自転車に乗る映像とともに並んでいる。生身の自分が風を切る身体感覚。その場でたまたますれ違ったものや経験したこと(金魚や石)。それは意味が発生する前の無垢でむき出しの世界だ。(余談ですが、吉開さんはあの米津玄師の「Lemon」のミュージックビデで踊っている女性だそうだ)

吉開菜央
吉開菜央
吉開菜央

3階は西村有さんの絵画。見た瞬間、「昨日VOCAで見た作品だ」と思った。その時もすごくいいなぁと思った。(VOCA他いくつかの展覧会レポートは後日HPのtopicsにアップしたいと思ってます)その場で見た景色ではなく、いつかどこかで見た記憶の彼方から染み出てきたような風景。直接描いていない。何が見えるのかわからないところからたどり着いたような風景。意識の底にある世界像。

西村有
西村有
西村有

この展覧会を見て言えることは、3人とも、何があっても何がなくても人生はいつくしむべきものだということ。そのやさしさにうっとりしてしまう。
佐藤雅晴さんのご冥福をお祈りいたします。

六本木クロッシング2019展:つないでみる
2019.2.9(土)~ 5.26(日)(森美術館)

いつもながら、出張ついでの美術館巡り。
今週は面白い展覧会がいくつもあり、限られた時間でどれを見るか迷ったのですが、結局「六本木クロッシング」に。
この手の実験的な大規模現代美術展は、私の場合だいたい半分くらいは「うむ?」と首を傾げ、そのうちのいくつかは全く分からない、ということが多いのですが、今回の六本木クロッシングはどの作品も、表現すべき対象とその美術的アプローチや手法が確かで、その内実が素直に入ってきて、見ていてこちらも充実した時間が過ごせました。
今回の六本木クロッシングは、「現代社会が、政治や経済の問題、宗教や世界観の違い、突然の災害などで様々な悲劇に満ちている」ことを共通の認識として、それら様々な「分断」の悲劇に美術的手法を用いて立ち向かっている作品(25組、60点)が集められたということです。
また今回、その「現代の困難を乗り越える最も確かな方法として、『つながり』」をテーマにしています。美術に限らず「つながり」は意味を生成する根本的なものだと思いますが、今回の展示では「テクノロジー」「社会観察」「異質なもの」による「つながり」を、美術的な方法によって表現したものになっています。
いっぱい作品がありましたが、その中で私の好きな2点を紹介します。
まずは、佐藤雅春の《Calling(ドイツ編、日本編)》。映像作品で、どれも人がいない場面がいくつか出てきます。例えば誰もいないドイツの朝の食卓、放課後の職員室、住宅地を走る電車、桜の舞い散る公園など。そこにそれぞれ携帯電話、iPad、公衆電話などが置かれており、それらがしばらく鳴り続けて止みます。それだけですが、呼んでも届かない思いは抑圧の塊のようにも思え、それが寂しく、悲しく響いてきます。
続いて、万代洋輔の《蓋の穴》。万代の一連の創作活動の結果を記録した写真の作品ですが、その活動とは、夜中に車で不法投棄の現場に行き、落ちている廃棄物を集めて、別の場所で組み立てて、明るくなったら撮影するという、彼自身によって決められた手順にそって制作するものです。なんとも無駄で無意味な行為ですが、それをやらざるを得ない人間の習性というか、儀式のような神聖さを感じました。
他の作品もみな中身が濃かったです。

飯川雄大
飯川雄大
土井樹+小川浩平+池上高志+石黒博×ジュスティーヌ・エマール
土井樹+小川浩平+池上高志+石黒博×ジュスティーヌ・エマール
青野文昭
青野文昭
林千歩
林千歩
目
アンリアレイジ
アンリアレイジ
竹川宣彰
竹川宣彰
佐藤雅晴
佐藤雅晴
佐藤雅晴
佐藤雅晴
万代洋輔
万代洋輔
万代洋輔
万代洋輔
杉戸洋
杉戸洋
ヒスロム
ヒスロム
米谷健+ジュリア(MAMコレクション)
米谷健+ジュリア(MAMコレクション)

「空間/経験 そこで何が起こっているか」展(鳥取県立博物館)

「空間/経験 そこで何が起こっているか」展(鳥取県立博物館)に行って来ました。
当館が昨年より始めた「ミュージアムとの創造的な対話」シリーズの第2弾。「空間」とそこでの「経験」の在り方に着目した現代美術の展覧会です。
小山田徹、田口行弘、梅田哲也3氏のインスタレーション作品の展示でしたが、その感想を少し。

小山田は「実測図」と「洞窟と測量」と題したインスタレーション。「実測図」では考古学的な実測制作の形式を、日常品や岩などにも応用した一種の思弁的ドローイング作品。「洞窟と測量」は鍾乳洞を測量し新たな地図を作り出すもの。写経のような、または禅的な修行のようなものを感じた。小山田の生き方そのもの-無に近づく精神性を美術の行為として表したものか。ばかばかしいがとても清らか。つい先日、森美術館での「クロニクル京都1990s―ダイアモンズ・アー・フォーエバー、アートスケープ、そして私は誰かと踊る」展で小山田の所属するダムタイプの活動を改めて概観したが、全く勝手になのだが、古橋悌二を失った後の小山田の心境を思わざるを得なかった。
田口行弘は鳥取砂丘の砂を使ったアニメーションと、その砂を使った砂場で鑑賞者が自ら何らかの跡をつけて制作するインストラクション作品。アニメーションがすばらしく楽しい。これも、つい先日タカ・イシイギャラリーで観た石田尚志のドローイングアニメーション同様、なんともユーモラスで、それこそ「空間」を砂とともに生き生きと「経験」することが出来る。アニメーションというのはこんなにも有効な表現手段なのか。
梅田哲也の作品は、様々な器具を電気的につなげて、動き、光、音、熱などを作り出す装置。冷たく無機的な、また無意味な装置が何か生きているように語りかけてくる。じっとその動きを見つめる。

とても面白く鑑賞した。ただパンフや会場に何一つ解説がないのが気になった。そうでなくてもとっつきにくい現代美術を、何の説明もなく見せられても一般的には何が何だか分からない。せっかく意欲的な展覧会なのに残念。それにしても地方の博物館でこのような展示ができるのは素晴らしい。どこかの美術館も少し考えてもらえないか。

小山田徹作品
田口行弘作品
田口行弘作品
田口行弘作品
梅田哲也作品
梅田哲也作品
梅田哲也作品
 
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